Et se je voi oe et demie

du 11 mai au 30 juin

Donc, tu vois une demie oie ?

Un autre que moi en vérité, un trouvère, a vu cette moitié d’oie. Peut-être l’exposition se prête-t-elle a ce genre de vision puisque un certain nombre de choses ici apparaissent coupées en deux. C’est le propre du fatras, un premier distique est coupé en deux et une suite étrange comble ce qui les sépare. Dans l’exposition, on peut trouver un recueil de trente fatras de Watriquet de Couvin. Les illustrations sont empruntées à un film qui n’a été fait que dans la perspective du livre. Je tenais à ce que les images soient réunies dans un même plan séquence, puis du fait du livre, soient retirées à cette continuité. Le film raconte que ce qui sépare les deux mains d’un même corps est infiniment plus grand que la seule envergure

Beaucoup de peinture dans l’exposition de quelqu’un qui ne se dit pas peintre…

Je ne me préoccupe pas de ce qui caractérise le médium. Si je peins quelquefois, c’est pour distinguer des espaces singuliers. À l’endroit de la décollation, c’est voir des abstractions miniatures, mais nécessairement c’est figurer aussi le dedans d’un corps, surtout c’est reconnaître des corps coupés dans les vitrines des magasins. Ailleurs, c’est se tenir dans l’ombre de la chose imprimée : une peinture s’est substituée au titre de l’ouvrage et au nom de l’auteur.

Tes choix semblent souvent des non-choix… Notamment les objets présents dans cette exposition.

Je ne dirais pas cela. Ce ne sont pas des non-choix. C’est le monde qui transpire. C’est Matisse qui disait qu’il peignait le dos des bouquets arrangés. J’essaie de pousser les choses de façon à ce qu’elles s’imposent d’elles-même.

Clément Rodzielski est représenté par les galeries Chantal Crousel, Paris et Campoli Presti, Londres.

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À l’occasion de l’exposition, Zoo galerie publie Fastrasie, 30 fatras de Watriquet de Couvin (vers 1328-1330), illustrés par Clément Rodzielski, d’après l’édition des Dits de Watriquet de Couvin, établie par Auguste Scheler et publiée en 1868. 32 pages, 20 x 28 cm, 300 exemplaires. 10 €.

Julien Nédélec

Déplacer les bornes

du 22 mars au 28 avril 2012 / Vernissage jeudi 22 mars à 18h30

Protéiforme, la pratique de Julien Nédélec – diplômé voilà bientôt trois ans de l’École des Beaux-Arts de Nantes – jongle avec les médiums pour en déplacer les attendus. Qu’elle se déploie sous forme de sculptures de papier : origamis à plier soi-même et anamorphoses réalisées à l’aide de ramettes de feuilles A4 peintes au spray ou d’œuvres à la limite de la visibilité – en témoignent les céramiques présentées lors de la dernière Fiac, dont seul le discret halo de couleur affirmait la présence matérielle, leur blancheur résonnant sur celle de la cimaise comme l’évocation des ovnis « observés » dont elles reprenaient les formes – elle déjoue les traditionnels displays pour mieux reporter l’attention du spectateur sur ce qui fait l’œuvre.

Sérieusement absurde et inversement, l’œuvre de ce jeune artiste est un exercice mental qui mêle des jeux de langage à la fois logiques et graphiques à une facture manuelle revendiquée.

À Zoo galerie, il choisit de « déplacer les bornes » en produisant une exposition au carré. Dans un premier temps, des images posées au sol semblent figurer des sculptures à l’allure minimale, puis l’on passe derrière la cimaise comme l’on traverserait un miroir carrollien pour les voir apparaître en volume. Trois formes géométriques simples : le cube, la sphère et la pyramide se sont légèrement dédoublées, et paraissent figées dans le mouvement de production de leur clone. De cette translation formelle avortée découle un arrêt sur image qui ajoute une temporalité tierce au déjà double temps de l’exposition : celui de l’exposition exposée par ses images et celui de l’exposition elle-même. Un double temps dans le même temps qui vient illustrer l’interrogation suivante : une exposition peut-elle être l’image d’elle-même ?

Julien Nédélec est représenté par la galerie ACDC, Bordeaux. Il remercie pour leur précieuse aide sur cette exposition :
Franck Bertrand, Sabine Corbet, Pierre et François Templé, Brice Collonnier et Mélanie Allag.

Zoo galerie présente

CLUB(B)ED CLUB

Une exposition de

Michael Riedel

du 29 octobre au 10 décembre 2011

Depuis maintenant une dizaine d’années, Michael Riedel explore les notions d’identité et de copie à l’ère de la reproductibilité numérique en construisant un système de répliques qui se déploie sous de multiples formes : sculptures, vidéos, enregistrements sonores, livres et affiches, impressions sérigraphiques sur toile et événements. Il produit ainsi des reconstitutions toujours biaisées d’expositions, d’objets ou de situations en suivant des processus d’inversion, de distorsion et de duplication. Bien loin de la simple et banale copie, son travail se situe du côté de la résurgence et place la temporalité et le contexte au centre de ses interrogations. Fondamentalement processuelles, ses œuvres se font l’écho de leurs motifs tout en leur assurant une continuité dans le présent. Qu’il reproduise à l’identique le corridor d’entrée de l’exposition de Rirkrit Tiravanija à la Biennale de Lyon en 2007 ou réagence l’exposition de Neo Rauch chez David Zwirner —  leur galeriste new-yorkais — à partir de photos grandeur nature des tableaux, Michael Riedel traduit autant qu’il transpose.

À Zoo galerie, il intitule son exposition Club(b)ed Club et propose une reconstitution d’une soirée ayant eu lieu au Club Rio à Berlin en 2006. Et lorsqu’à l’enregistrement de ladite soirée diffusé en fond sonore s’ajoutent les bruits de la soirée d’octobre 2011, le temps se concrétionne au cœur du « décor » qui mêle mobilier original du club et éléments produits pour l’exposition. L’on évoquera alors une « durée de la sculpture », une occupation temporelle de l’espace, mais surtout aussi une interprétation d’un moment au sens tant linguistique que musical ou encore d’une performance. Les éléments de l’installation, forcément disparates et fragmentaires, laissent finalement plus de place à l’absence des manquants qu’à leur propre présence. Ils sont là avant tout pour matérialiser le vide entre eux, nous amener à lire entre leurs lignes. Il est ici principalement question de la circulation du temps et de l’information, de l’infinie rediffusion de cette dernière, qu’elle s’incarne dans la bande son ou les posters qui recouvrent les murs de l’exposition.

Télécharger le dossier de presse : RIEDEL.pdf

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Zoo galerie presents

CLUB(B)ED CLUB

A solo show by

Michael Riedel

October 29_ December 10, 2011

For the past ten years or so, Michael Riedel has been exploring notions of identity and copy in the age of digital reproducibility, by constructing a system of replicas which takes on many different forms: sculptures, videos, sound recordings, books and posters, silkscreen prints on canvas, and events.

He thus produces invariably slanted reconstructions of exhibitions, objects and situations, adopting processes of reversal, distortion and duplication. Well removed from the simple, common-or-garden copy, his work can be situated alongside re-emergence, and puts time and context at the hub of his questioning. His essentially process-related works echo their motifs while giving them a continuity in the present. Whether he is identically reproducing  the entrance corridor of a Rirkrit Tiravanija show at the 2007 Lyon Biennale or re-arranging the Neo Rauch exhibition with David Zwirner—their gallery in New York—based on life-size photos of the pictures, Michael Riedel translates as much as he transposes.

At Zoo Galerie, he is calling his show Club(b)ed Club, and proposing a re-creation of an evening that was held at the Club Rio in Berlin in 2006. And when the recording of the said evening, broadcast as a sonic backdrop, is combined with the noises of the October 2011 evening, time becomes concretion-like at the heart of the “décor” which mingles original club furnishings and things produced for the show. So there is something akin to a “time-frame of sculpture”, a time-based occupation of the space, but above all, and also, an interpretation of a moment with a both linguistic and musical sense to it, or a performance.

The elements of the installation, perforce disparate and fragmentary, in the end give more room to the absence of things missing than to their actual presence. They are there above all to render the void between them material, and get us to read between their lines. What is mainly involved here is the circulation of time and information, of the endless rebroadcasting of this latter, whether incarnated in the sound track or the posters covering the exhibition walls.

Download the press release : PressReleaseRIEDEL.pdf

Dans le cadre d’Itinéraires artistiques,

Zoo galerie organise

Nouvelles frontières : de nouvelles résidences pour de nouveaux enjeux artistiques

un colloque sur la mobilité des artistes avec notamment :

Palmina d’Ascoli, responsable du pôle résidences à l’Institut français,
Patrice Bonnaffé, directeur des pépinières européennes pour jeunes artistes,
Julien Amicel, directeur du Centre international de résidences artistiques de Dar Al-Ma’mûn (Maroc),
Clarisse Hahn, réalisatrice et photographe française

Jeudi 6 octobre de 14h à 18h

amphithéâtre de l’ESBANM

place Dulcie September, Nantes

Programme de l’après-midi :

14h Accueil et présentation des intervenants par Patrice Joly, directeur de Zoo galerie et rédacteur-en-chef de la revue 02

14h15 Dominique David, chargée de Mission à la Direction Générale de la ville de Nantes

14h30 Palmina d’Ascoli, responsable du pôle résidences à l’Institut français,

15h15 Patrice Bonnaffé, directeur des pépinières européennes pour jeunes artistes

16h30 Julien Amicel, directeur du Centre international de résidences artistiques de Dar Al-Ma’mûn (Maroc)

17h15 Clarisse Hahn, réalisatrice et photographe française

Les interventions seront ponctuées d’extraits de films réalisés par les artistes Bouchra Khalili et Clarisse Hahn

Modérateur : Patrice Joly

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télécharger le programme complet d’Itinéraires artistiques ici : Programme.pdf

Emilie Pitoiset

Devon Loch

du 10 juin au 16 juillet 2011

Célèbre cheval de course appartenant à la Reine Mère Elizabeth, Devon Loch fit une chute mémorable lors de la finale de la course de saut d’obstacles du Grand National en 1956, 45 mètres seulement avant la ligne d’arrivée. Les raisons réelles de sa chute subite et spectaculaire n’ont jamais été établies ; on l’a supposée due à une crampe ou à l’ombre portée de la barrière qui aurait pu le troubler. Aujourd’hui, « to do a Devon Loch » est une métaphore utilisée en langue anglaise pour signifier un échec soudain et imprévu, notamment dans le milieu sportif.

À Zoo galerie, Emilie Pitoiset propose une reconstitution de la scène de la chute à partir d’éléments fragmentaires, déplaçant ainsi le fait divers du côté d’une réalité fictionnelle. Poursuivant ses recherches autour des éléments de rupture des événements et de leurs récits, elle déploie l’anecdote à la manière d’un roman noir, présentant le protagoniste sous forme d’un objet « authentique » (le livre), le fait par une construction a posteriori (la barrière) et des documents d’archives quelque peu retouchés (les photos). Bien évidemment, l’ombre de la barrière ne pouvant être recréée, il plane sur l’exposition plus que l’ombre d’un doute.

Emilie Pitoiset est née en 1980, elle vit et travaille à Paris. Elle y est représentée par la galerie Lucile Corty.

En résonance à Safari.

RN 137

Douze artistes émergents de Nantes et Rennes

à L’Atelier (Nantes), du 15 mars au 10 avril 2011

à 40mcube (Rennes), du 18 novembre au 17 décembre 2011

Bevis Martin & Charlie Youle,

Armand Morin, Julien Nédélec,

Blaise Parmentier, Ernesto Sartori,

Mélanie Vincent,

Antoine Dorotte, Angélique Lecaille,

Briac Leprêtre, Benoît-Marie Moriceau,

Samir Mougas, Yann Sérandour.

Sur l’invitation de la Ville de Nantes et de Rennes Métropole, Zoo Galerie à Nantes et 40mcube à Rennes, deux associations reconnues dans le monde de l’art contemporain, ont imaginé RN 137, une exposition commune présentant le travail d’artistes nantais et rennais. Le projet s’inscrit dans la dynamique de coopération culturelle qui lie les deux collectivités afin de montrer l’importance, la diversité et le dynamisme de leur scène artistique. De fait, depuis 2009, les métropoles de Nantes et Rennes ont engagé un renforcement de leurs collaborations avec l’objectif d’optimiser leurs forces au service de leurs habitants, de leurs territoires et du grand Ouest.

La route nationale 137 est l’axe qui relie Rennes à Nantes. Le moyen le plus efficace pour connecter deux capitales régionales avant que ne se profilent à l’horizon de nouvelles liaisons plus rapides, dans le cadre d’un grand rapprochement interrégional. RN 137, l’exposition, reprend le nom de ce trait d’union routier pour transposer dans le domaine des arts plastiques cette ambition de développement économique.

Les scènes artistiques des deux capitales s’appuient sur des dispositifs dissemblables, dynamiques chacun à leur manière : La Criée, centre d’art contemporain très fréquenté à Rennes, de grandes expositions d’art contemporain qui se déploient au Lieu Unique ou au Hangar à bananes à Nantes. Le Fonds régional d’art contemporain (Frac) à la périphérie pour Nantes, tandis que Rennes achève la construction d’un nouveau bâtiment dans le quartier de Beauregard et initie le chantier d’aménagement de la Criée dans les locaux de la Brasserie Saint-Hélier, un grand musée à Nantes, une université d’où est sortie toute une génération de curateurs à Rennes, et, dans chaque cité, deux écoles des beaux-arts qui font régulièrement éclore une flopée d’artistes que l’on retrouve par la suite dans les meilleures galeries de France et de l’étranger. Les deux villes possèdent également un réseau associatif dense qui promeut activement l’art contemporain.

À l’intérieur de ce réseau, 40mcube à Rennes et Zoo Galerie à Nantes ont développé des stratégies assez proches, bien que relativement divergentes, en direction des jeunes artistes : quand la première a choisi de mettre en avant la production pour l’élever au niveau d’un quasi centre d’art, la seconde a décidé de s’orienter vers la prospection de jeunes artistes étrangers, quand l’une crée un parc de sculptures attenant à son lieu et une salle de projection dédiée aux films d’artistes, l’autre développe la revue qu’elle édite, plaçant 02 au niveau d’un organe de presse national. Riches de leur fonctionnement qui articule une extrême réactivité à la souplesse de leurs micro équipes, les deux associations visent le même objectif : permettre à des jeunes artistes d’émerger en leur offrant suffisamment de moyens et de visibilité pour démarrer leur carrière ou la faire décoller.

Le premier volet de RN 137 aura lieu du 15 mars au 10 avril à l’Atelier, nouvel espace de 600 m² ouvert par la municipalité nantaise pour accueillir les propositions des associations ; le second prendra place dans les locaux mêmes de 40mcube, à Rennes, du 18 novembre au 17 décembre prochain. Les deux expositions présenteront le même listing d’artistes, retenus sur des critères d’émergence à divers stades de maturité, l’essentiel étant de créer une sélection énergique capable de proposer des articulations significatives. À titre d’exemple, il existe des préoccupations similaires entre le travail d’édition de Yann Sérandour et celui de Julien Nédélec, on trouve des approches communes quant à « l’attaque » des matériaux dans les travaux d’Antoine Dorotte et de Mélanie Vincent ; Briac Leprêtre et Angélique Lecaille ont une pratique appuyée du dessin qu’ils partagent avec Antoine Dorotte. Benoît-Marie Moriceau, Ernesto Sartori et Samir Mougas ont tous les trois maille à partir avec le bâti qu’ils s’évertuent à déconstruire allègrement, tout comme Briac Leprêtre pour une autre part de son travail. Quant aux autres, leurs pratiques inclassables oscillent entre un gout immodéré pour la céramique (Bevis Martin et Charlie Youle), un penchant marqué pour la vidéo (Armand Morin) et une forte propension à revisiter le street art (Blaise Parmentier).

RN 137 est donc une proposition résolument singulière de réunion de deux métropoles voisines par leurs scènes artistiques. Le pari de RN 137 est aussi de prolonger cette dynamique : des projets sont déjà à l’étude pour l’exporter hors des frontières régionales et hexagonales afin de donner toute sa portée à cette initiative nanto-rennaise.

Commissaires

Zoo galerie (Patrice Joly, Aude Launay) audelaunay@zoogalerie.fr / www.zoogalerie.fr

40mcube (Patrice Goasduff, Anne Langlois) contact@40mcube.org / www.40mcube.org

L’Atelier

1, rue de Châteaubriand – 44000 Nantes

Tél. : 02 40 41 90 00

Tram 2 – arrêt 50 otages

WORKING CLASS HERO

Une exposition de

Benjamin Valenza

du 12 mars au 23 avril 2011

Working Class Hero pourrait être la traduction d’un rêve de l’artiste qui le mettait en scène, accompagné de son acolyte Stéphane Barbier-Bouvet, dans une sorte de Metropolis tentaculaire. Un bâtiment officiel, s’avérant être une bibliothèque dédiée à la conservation des plans des ateliers d’artistes depuis les origines de l’art, trône sur une place. Des plans adviennent des volumes et le rêve s’efface. Une chanson des seventies persiste, tenace.

Working Class Hero met en scène une situation de jeu, c’est-à-dire que l’exposition inclut dans l’espace un temps différé, celui d’une performance peut-être déjà passée ou d’un film possiblement à venir. Elle amorce autant de récits que d’architectures, mêlant sur plans styles et époques en un baroquisme épique. Les sept cimaises — dessinées par Stéphane Barbier-Bouvet — qui présentent ces esquisses créent une chronologie désordonnée au double sens de l’architectonique : à la fois coordination des savoirs en un système et art du lien entre structure et construction.

Seul, sur son trépied, le roc rejoue le type de sculpture primordiale qu’est la pierre levée, échappant à l’anthropomorphisme (s’il n’avait eu que deux pieds) et au design (s’il en avait eu quatre) pour s’établir en un équilibre perturbant.

Quant aux blocs de béton posés sur l’estrade — à la fois scène et plateau de jeu —, ils semblent en attente d’un placement satisfaisant… mais selon quel point de vue ? Nous sommes en effet dans l’impossibilité d’une vue globale de l’exposition, les images se superposant les unes aux autres au travers des claustras grillagées tandis que par sa forme octogonale, la scène nous fait face en permanence.

Avec le soutien de Pro Helvetia, fondation suisse pour la culture.

Commissariat Balle Neuve*

Avec : Emilien Adage, Anthony Bodin, Fabrice Croux, Athene Galiciadis, Camille Laurelli, Georges Henry Longly, Justin Meekel et Fanette Muxart.

du 19 au 29 janvier 2011

Depuis les travaux du mathématicien Norbert Wiener il est admis que la nature se désagrège, conformément au second principe de la thermodynamique. Pour pallier à cette entropie naturelle, l’homme construit, assemble et synthétise élé­ments et substances modifiant irrémédiablement notre rapport au monde.

Pour son premier projet, Balle neuve transforme ce phénomène énergétique en exposition. Partie d’une équation simple, une exposition de groupe, une même liste d’oeuvres dans des dimensions, des configurations, des architectures affirmées et différenciées, se déployant dans le temps et l’espace, Rocket engine ou la métamorphose des agrégats fonctionne littéralement comme un « moteur-fusée », une force motrice élémentaire qui assure le réamorçage des oeuvres. Visible successivement dans les lieux d’exposition de La Vitrine (Paris) et de Zoo Galerie (Nantes) et suivant un for­mat d’exposition flash, Rocket engine ou la métamorphose des agrégats permet une construction évolutive du cadre de l’exposition, et la dynamique d’enchaînement des présentations participe à la vitalité de l’expérience.

Les artistes partagent une volonté de favoriser le terrain de l’expérimentation, ils réfléchissent et testent les matières dans des productions qui rendent compte de manière inventive et subversive de traces de processus et de la mémoire d’actions. Les espaces requièrent de chaque artiste une dilution, une expansion, voire une reconstruction ; une ré-orga­nisation formelle qui assure paradoxalement la conservation des oeuvres. Ainsi Anthony Bodin joue avec l’imaginaire du plein et du vide, Emilien Adage détraque les lumières du lieu et influe par là même sur tout ce qui l’entoure. L’étrange cocotte minute sous pression de Justin Meekel nous rappelle la sub­jectivité de toute forme. Les peintures murales d’Athene Galiciadis et de George Henry Longly se déploient selon des dimensions variables et façonnent les surfaces. À l’inverse la photographie du sol à échelle 1 de Camille Laurelli et La grosse sublime de Fanette Muxart se fondent dans les espaces peuplés par les étranges créatures lumineuses de Fabrice Croux.

Pour prolonger cette expérience, Balle neuve éditera un ouvrage contenant une présentation écrite et imagée des deux versions de l’exposition. Les huit artistes de Rocket Engine contribueront à cette publication par des projets spéciaux visant à étendre l’espace physique de chaque lieu dans la temporalité de l’imprimé.

* Balle Neuve est une association fondée en 2009 à l’initiative de Caroline Laurent et de Manon Lefort. «Balle neuve» est une expres­sion tirée du vocabulaire sportif. Liée au monde du tennis, elle signifie la rentrée d’une nouvelle balle dans le jeu en cours. L’asso­ciation a pour objectif de promouvoir la jeune création artistique française et internationale par le biais d’organisation d’expositions et de soutien financier à des projets individuels.

Caroline Laurent est née en 1982, elle vit et travaille à Dunkerque. Après des études de Sciences Politiques et d’ Histoire de l’Art à Grenoble, elle a travaillé comme assistante d’exposition au Palais de Tokyo et comme assistante régie à la Villa Arson. Caroline Laurent est actuellement en charge de la coordination des projets au FRAC Nord-Pas de Calais.

Manon Lefort est née en 1985, elle vit et travaille à Paris. Après une licence d’architecture, Manon Lefort prépare son mémoire de Master 2 – Recherche en Histoire de l’art à la Sorbonne IV sur l’artiste italien Gino De Dominicis. Manon Lefort a également assisté Judicaël Lavrador pour la préparation du prix Ricard 2009 et travaillé auprès des commissaires d’exposition du Palais de Tokyo en 2008. Manon Lefort est actuellement assistante à la galerie Crèvecœur.

Là où va l’eau de mer à marée basse

Une exposition de

Christophe Lemaitre

Commissariat Etienne Bernard

du 15 octobre au 4 décembre 2010

L’exposition Là où va l’eau de mer à marée basse présentée par Christophe Lemaitre réunit productions spécifiques, récentes et plus anciennes. Le travail de ce jeune français se concentre sur l’idée que de la manipulation d’un objet iconique peut en naître un second. Le premier constitue une matière première ou un site de production assujetti à un geste concret, artialisant une nouvelle occurrence visuelle. Aussi humblement que poétiquement, l’artiste légitime cette logique processuelle et conceptuelle en évoquant la figure classique du clown blanc, dont la présence sur la piste n’a d’autre fonction que de faire-valoir son alter ego coloré, l’Auguste. Et l’exposition de se vouloir parcours de lecture de ses images faites d’images.

Christophe Lemaitre emprunte, découpe, reproduit ou encore transforme les propositions glanées au gré de ses pérégrinations et expériences. En résidence au Centre d’art du Parc-Saint-Léger à Pougues-les-Eaux au printemps dernier, il s’approprie les affiches de deux expositions présentées pendant son séjour et les enchâsse comme des toiles. Les compositions graphiques ainsi rehaussées changent soudainement de statut et s’en trouvent, d’une certaine manière, magnifiées, au bémol près que le format du châssis ne leur correspond pas parfaitement. Légèrement plus étroit, il tronque visuels et textes et neutralise la fonction première de communication de ces éléments. Les affiches se donnent in fine à voir comme des peintures, ce que souligne l’accrochage muséal classique dont elles font ici l’objet.

À Zoo Galerie, il entreprend de fouiller dans les piles de la revue 02 stockées sur place, là encore pour dénicher des images à faire images. À travers les pages et la maquette du magazine, ses découpes excavent des visuels d’articles pour produire d’étranges collages en réserve. Les exemplaires, une fois taillés et encadrés, se réduisent à une image composite et composée. Il n’est ensuite pas étonnant de découvrir qu’avant ses études aux Beaux-arts, Christophe Lemaitre est passé par les arts appliqués. La maîtrise de la composition est fondamentale dans son travail et opère en qualité de révélateur et de grand ordonnateur. Pour Répétition dans l’Epilogue, 2010, l’artiste se fait curateur et propose à un groupe de ses confrères (Julien Audebert, Stuart Bailey, Éric Baudelaire, Ryan Gander, Mark Geffriaud, Mauricio Guillén, Aurélien Mole, Bernard Piffaretti) de participer à une expérience imprimée sur un format affiche. Il explique que son approche a ici été de « re-poser » les propositions reçues comme autant de problématiques dans une composition aussi artistique que curatoriale et aussi scénographique qu’éditoriale. Et c’est d’ailleurs dans la même logique rigoriste de mise en page que l’exposition à Zoo Galerie se développe. L’espace, subdivisé par ses piliers et sa poutraison, est envisagé comme une grille de composition graphique. Selon les principes du héros de la modernité suisse Josef Müller-Brockmann, il devient ainsi autant le support des œuvres qu’un outil systémique de rationalisation visuelle. Là où va l’eau de mer à marée basse se lit comme une page, un jeu de construction normé dont la rigueur n’a d’égal que le potentiel de liberté.

Etienne Bernard

Zoo galerie présente
The eighth sphere
Une exposition de
FLORIAN & MICHAËL QUISTREBERT
du 5 juin au 10 juillet 2010

Les Quistrebert, ces deux frères diplômés des Beaux-Arts de Nantes, pratiquent ensemble depuis 2004 un académisme technique perverti par on ne sait trop quelle déviance formelle, un art de l’anachronisme et de la grossièreté feinte.
On les a connus dessinateurs au trait de feutre joyeusement coloré puis de rotring plus torturé, sculpteurs de bronzes sur socles dégoulinants de cire, peintres de l’odyssée des grands espaces de leur biker paumé de héros ; on les a vus déjà plusieurs fois à Zoo galerie (2004, 2007), à 40mcube (Rennes, 2008), au dernier Printemps de Septembre toulousain, chez Crèvecœur, leur galerie parisienne, et tout récemment au domaine de Chamarande.
Tout juste rentrés d’une année new-yorkaise, ils débarquent avec un intérêt renouvelé pour le noir, un noir puissant devenu la couleur fétiche de leurs empâtements désormais monochromes. L’architecture de Gotham City qui s’insinuait depuis dans leur peinture pour la parer d’une dimension rétro-futuriste se mue aujourd’hui en un néo-constructivisme allégé de sa dimension utopique première. Oscillant entre surépaisseurs maximales et légèreté de l’application au spray, le symbolisme ici à l’œuvre nous entraîne dans un ésotérisme sombre. The eighth sphere, (la planète des âmes perdues, pour les non-initiés à l’occultisme), se dessine à Zoo galerie comme un environnement pictural, tendu jusqu’à sa négation. Un wall-painting inspiré de la technique de vaporisation d’aquarelle utilisée par Klee et Kandinsky —mais réalisé sauvagement à la manière des Splashers new-yorkais— pour écrin, les toiles des Quistrebert se délitent jusqu’à s’abolir dans leur principe même. Dialoguant avec des tableaux de facture plus classique, des croûtes noires et luisantes semblent couler du mur. La technique de leur Chrysler building (Chrys, 2009) que l’on connaissait s’affaissant vers le sol en une masse huileuse se radicalise ici : il n’y a plus de châssis, de toile ou même de peinture, juste une surface, une croûte. Et ce n’est pas l’abstraction du ballet d’ombres et lumières qui compose leur dernier film qui démentira ce nouveau formalisme à l’œuvre chez les deux frères.

Téléchargez le dossier de presse ici : DossierQuistrebert.pdf

Florian & Michaël Quistrebert sont représentés par la galerie Crèvecœur, Paris.

ET DIXON

Une exposition de

Mark Geffriaud
avec la participation de Alex Cecchetti, Yves Geffriaud, Yoann Gourmel et Elodie Royer, Géraldine Longueville, Raimundas Malasauskas, Charles Mazé et Coline Sunier, Aurélien Mole, Bruno Persat.

du 10 avril au 15 mai 2010

Télécharger le dossier de presse ici :MarkGeffriaud.pdf

L’on retrouve Mark Geffriaud après deux apparitions dans des expositions collectives à Zoo galerie — Speed Dating 2 en décembre 2007 et Effondrement de l’onde de probabilité à la rentrée 2008 — pour sa troisième exposition personnelle en France, après un module au Palais de Tokyo (2008) et un passage remarqué à la galerie gb agency l’an dernier.
Son intérêt pour l’iconographie et la traversée des idées en images se dévoilait déjà dans Les Renseignements Généraux (dont l’une des occurrences fut présentée lors de Speed Dating 2), un projet de livre aux formes aussi multiples que son nom peut le laisser présager, passant des tirages argentiques encadrés à la série de fascicules imprimés chacun à un seul exemplaire. Un livre sans texte, conçu sur le mode de l’association d’images par jeu de correspondances formelles et abordant déjà la question du fragment aujourd’hui prépondérante dans l’œuvre de Mark Geffriaud.
Quant à Et Mason et Dixon, il s’agit d’une double exposition, dont le pendant se déroulera à la galerie Manet de l’Ecole des Beaux-Arts de Gennevilliers. Charles Mason et Jeremiah Dixon, astronome et géomètre anglais envoyés en Amérique en 1763 pour y tracer la frontière entre Nord et Sud, sont aussi les héros du roman éponyme de Pynchon, Mason & Dixon, paru en 1997. Cette fameuse ligne marque l’importance de la représentation du monde sur le monde lui-même. Mark Geffriaud produit un papier peint qui court du mur de droite de Zoo galerie au mur de gauche de la galerie Manet. Composé de la répétition de documents affichés sur le mur de son atelier, ce panorama imprimé, loin de dessiner une quelconque chronologie, tient plutôt de la table des matières, annonçant un ensemble possible dont on ne percevrait ici que des parties. Cette exposition se donne à la manière d’une préface, écrite a posteriori mais placée en première page. Une ligne de pensée est parcourue à rebours, démontée, mise en pièces. Avec l’aide d’artistes et de commissaires invités, ces miettes sont rassemblées en de nouveaux ensembles, constituent de nouveaux fragments, comme des morceaux d’un vase brisé qui seraient fabriqués avant le vase lui-même. »Chaque détail forme un tout et le tout, non pas un monde, mais la représentation globale du monde. »

1 Thierry Guichard, »Mason & Dixon », in Le matricule des anges, n°304, avril-mai 2001.

« L’écriture collective de l’exposition s’inspire de celle pratiquée par le groupe de mathématiciens Bourbaki, pour qui le relais ou l’acte de passer la main participait à la matière même qu’ils entendaient travailler (la théorie des ensembles étaient l’un de leurs sujets de prédilection).
Une table des matières a d’abord été rédigée suivant le fil de mes associations d’idées. Cette ligne a été ensuite coupée en chapitres, sous-chapitres… dont les titres sont devenus ceux des différentes propositions qui seront présentées dans l’exposition. Les collaborations,de natures très diverses incluent la participation d’artistes, photographe, graphistes, commissaires, écrivain, d’amis, de mon père.
L’idée générale consiste à faire de chaque segment d’une ligne de pensée le pré-script d’une proposition autonome, de manière à ce que tous ces fragments précédent en quelque sorte la (re)constitution de l’ensemble (comme si l’on s’essayait à modeler des morceaux individuellement avant de procéder à l’assemblage de la poterie qui n’a jamais été brisée).
Enfin cela provient de ma conviction que l’on ne fait jamais les choses seul, que notre pensée est inséminée par la pensée des autres, que les coïncidences sont une autre manière de regarder ce qui arrive, et que tout cela est pour le mieux. »
Mark Geffriaud.

Photos de l’exposition : Bevis Martin & Charlie Youle.

TSARSKAYA

une exposition de

Stéphane Kropf & Clotilde Lataille

Du 29 janvier au 27 février 2010

Télécharger le dossier de presse ici: cp-tsarskaya.pdf

« Il y a une grande difficulté à parler de peinture aujourd’hui, parce qu’il y a aussi une grande difficulté à la voir. Parce que c’est une peinture — en particulier sans doute la nouvelle abstraction géométrique — qui ne veut plus être regardée et qui ne vous regarde plus. » Jean Baudrillard
C’est sur cette difficulté à voir que Tsarkaya se positionne, avec l’arrogance de la jeunesse, par un jeu de questions sans réponses que nous proposent Stéphane Kropf et Clotilde Lataille. Une certaine souveraineté de la peinture, imposée comme une évidence, revendiquée par un héritage (suisse) commun.

« La peinture réduite à elle-même: des couleurs sur une surface (…). Silencieusement. Le matériau porté à l’incandescence. » Ces quelques lignes consacrées à Rothko par Youssef Ishagpour pourraient parfaitement se faire l’écho du travail récent de Stéphane Kropf, de ses recherches sur la lumière intrinsèque à la couleur. Si l’on connaît peut-être mieux ses reproductions de tickets de caisse, de billets de transport en commun, de QR codes et d’hologrammes permettant l’authentification, le fichage et le scan, le contrôle omniprésent et l’obsession de l’identification, il pratique aujourd’hui  une sorte d’abstraction du monochrome. Expliquons-nous : le monochrome tend à matérialiser la peinture en un objet tant phénoménologique que mystique, c’est selon. Kropf tente de le dématérialiser, il en joue comme d’un rayon de soleil pris dans un miroir. Usant de peinture acrylique interférente, qui a la propriété de réfléchir deux couleurs différentes selon l’angle de vue, ses toiles deviennent de faux monochromes, oscillant entre blanc et couleur, couleur apposée et couleur reflétée.

Monochromes blancs versus monochromes noirs, Tsarskaya, qui tire son nom d’une huître cancalaise, évoque une fascination pour le nacré, l’ambivalence colorée et le spectre tout entier concentré au cœur d’une coquille.
En effet, par-delà les clins d’œil qui foisonnent dans son travail (Armleder, Pollock, Walker…), résonne déjà, chez Clotilde Lataille, un intérêt très personnel pour la peinture matière, coulante, collante, dégoulinante, expression plastique au sens le plus pur, dans un noir dominant paradoxalement utilisé pour qu’on l’oublie justement un peu au profit de tout le reste. Le noir comme une base d’où l’on peut aborder toutes les questions picturales (texture, application, brouillage de l’image ou représentation…) dans une couleur qui n’en est pas une, située hors du spectre de lumière visible. Un noir exclu de notre vision standardisée en RVB, un noir qui affirme que les choses sont ce qu’elles sont face à un nacré qui tend à les déstabiliser.
La peinture comme un jeu très sérieux.
http://www.stephanekropf.ch

Une exposition de peinture
Une proposition de Zoo galerie à l’Atelier*
Du 26/11 au 20/12 _Vernissage le 25/11/2009

Une exposition de peinture, parce qu’il faut bien admettre que ce medium symbolise l’art pour encore bien des gens; une exposition de peinture, parce que la peinture est justement bien loin de n’être que ce que l’on s’en imagine; une exposition de peinture réunira de jeunes artistes aux pratiques picturales innovantes pour les associer à des classiques qui continuent de révolutionner la peinture depuis les années soixante, soixante-dix.
Une exposition en forme de playlist à la subjectivité revendiquée, une exposition volontairement élaborée sans apport théorique ajouté parce qu’en ce domaine, la théorie abonde, et qu’après tout, une peinture est une peinture.
Avec :
Nina Childress, Philippe Cognée, Stéphane Dafflon, Philippe Decrauzat, Jean-François Karst, Clotilde Lataille, Jean-François Leroy, Tobias Madison, Mathieu Mercier, Olivier Mosset, Kaz Oshiro, Masahide Otani, Florian & Michael Quistrebert, Clement Rodzielski, Blair Thurman, Morgane Tschiember, Ida Tursic & Wilfried Mille, WATP

* L’Atelier 1 rue de Châteaubriand, 44000 Nantes – tram 2 – arrêt 50 otages.

Plus réel que l’herbe #2 (low profile/high resolution)

une carte blanche à Armand Morin, lauréat du Prix de la ville de Nantes 2008

du 20 novembre au 13 décembre 2009

Avec Jules Bouteleux, Guillaume Constantin, Philippe Comtesse, Sandro Della Noche, Thibaut Espiau, Yann Gerstberger, Jacques Loeuille, Armand Morin et Ernesto Sartori

Second volet du diptyque Plus réel que l’herbe, collaboration entre Ernesto Sartori et Armand Morin, low profile and hi-resolution se présente comme une exposition qui documenterait un territoire fictif fait de reprises d’élément culturels ou historiques, de paysages artificiels ou surréels.

Balade nocturne dans un casino. On traverse les allées, un soda à la main . La nuit y est une aube constante, un ciel en faux plafond. Il est 3 heures du matin. De petits nuages rosés demeurent immobiles. D’autre couloirs nous feront entrer dans d’autres casinos, d’autres endroits connus, Paris, Venise… Plus réel que l’herbe #2, Low profile / Hi-resolution, nous fait traverser de la même manière des paysages qui en reproduisent d’autres. Nous visitons des fantasmes devenus réalités partielles, plus ou moins précises dans leurs constructions.
Le film Balade en Flandres de Jacques Loeuille documente la réappropriation qu’opèrent français et belges d’une certaine mythologie américaine par le récit de vérités historiques. Ces reconstitutions sont des spectacles, des jeux de rôles qui prennent leurs distances avec la complexité historique et s’insèrent dans un contexte actuel par un système de représentation riche mais inexact. À Miami le terrain marécageux a été transformé pour satisfaire le développement de l’activité humaine. Sur ce territoire, immense table rase, l’apparence d’une Histoire est notamment suggérée par les influences espagnoles ou italiennes sur des buildings rendus monstrueux. Ces observations sur Miami, Armand Morin les réinjecte dans son film Pardon Our Dust. Plus loin, Thibaut Espiau se construit un canoë et film sa descente de L.A River. Au cœur d’un paysage brutal, la performance glisse vite vers la traversée d’un décor qui murmure des fictions.
Plus réel que l’herbe #2 est une escapade en pays étranger, composition caricaturale d’emprunts variés. Un territoire de résumés, gouverné par une esthétique Reader’s Digest. Jules Bouteleux nous en montre une facette, avec ces maisons qui s’appellent volontiers Castles parce qu’elles possèdent quelques créneaux et tourelles, une autre vision archaïsante de l’Europe proposée aux Etats-Unis. Autour de ces œuvres où les images documentaires servent poésie et récit, les sculptures Pique-nique à Hanging Rock de Sandro Della Noche et Love and Married de Yann Gerstberger, concentrent des fragments d’expériences, d’objets et de lieux pour proposer des voyages immobiles dans des cultures et espaces composites. Ils avancent ainsi une vision actuelle et distanciée de l’exotisme. Les propositions de Guillaume Constantin s’immiscent dans cette exposition comme elles pourraient le faire dans notre quotidien. La transformation d’objets usuels et les références combinées à l’Histoire de l’Art (ici un dessin de Bellini) où le paysage révèle des apparitions, des spectres dans notre environnement. Philippe Comtesse propose une menace, une alerte à l’adresse du public. Son travail extrait régulièrement les ressorts dramatiques de certains types de fiction (film d’horreur par exemple), pour voir si nous sommes effectivement conditionnés à réagir à ces signes. Le message ici encore est un cliché, un effet de genre qui fait discrètement immersion dans l’exposition, proposant à celle-ci un nouveau contexte extérieur. Quant à la peinture d’Ernesto Sartori, elle tient à la fois de l’architecture utopiste des années 60 et de l’oracle. En enjambant ainsi notre présent, il nous projette dans un futur parallèle. Everyday ghost.

Plus réel que l’herbe#1 (les cratères du futur)

une carte blanche à Ernesto Sartori, lauréat du Prix de la ville de Nantes 2008

du 14 octobre au 4 novembre 2009

Avec Jules Bouteleux, Guillaume Constantin, Chloé Dugit-Gros,Thibaut Espiau, Julien Fargetton,Manuia Faucon, Olivier Magnier, Charlie Youle & Beavis Martin, Bérénice Merlet, Armand Morin, Julien Nédélec, Ernesto Sartori, Mélanie Vincent, Raphaël Zarka

(Please scroll down for English text)

Et s’il existait pour de vrai, le fameux CFR, ce Consortium de Falsification de la Réalité dont les activités nous sont narrées dans les deux derniers romans d’Antoine Bello (1)? S’ils étaient parmi nous, ces agents au service d’une réalité plus vraie que nature parce que trafiquée, perturbée par des inserts discrets mais assez efficaces pour en influer le cours? Nous sommes au cœur d’une culture de l’image, mais d’une image tronquée, truquée; notre société tente depuis le Veau d’Or de nous faire prendre les images qu’elle nous inflige pour des réalités autres que ce qu’elles sont pourtant simplement: des relations, et non des entités (2). Ce double postulat peut se résoudre en une question: qui sont les falsificateurs, aujourd’hui? Les médias sont toujours une cible privilégiée, mais l’on oublie encore trop souvent qu’ainsi que leur nom l’indique, ils ne sont eux aussi qu’une forme de relation, entre un pouvoir, quel qu’il soit, et un public.
Suivant la ligne trouble qui sépare le fait de la fiction, De l’Interprétation , empruntant son titre à Aristote, qui dans son texte éponyme, élabora cette distinction ô combien précieuse entre signification et valeur de vérité, s’attache à réinjecter de la subjectivité dans l’information, à l’image des Demonstration Drawings de Rirkrit Tiravanija ou du CNN Concatenated d’Omer Fast. Les Demonstration Drawings, série de dessins commandée par Tiravanija à des artistes thaï d’après des photos de manifestations publiées par le Herald Tribune, se jouent en effet, par leur trait imparfait, des conventions du journalisme et narguent son autorité en soulevant une question épineuse: qui est le plus à même de rapporter la vérité d’un événement, un reporter et ses concepts globalisés à l’emporte-pièce, ou la sensibilité personnelle d’un inconnu? Du monologue reconstitué par Omer Fast sous la forme d’un cut-up frénétique d’extraits de JT diffusés sur CNN en 2001, émerge l’expression d’une pensée commune post-11/09, celle d’un « je » multiple qui ose douter, révélant au passage les nombreuses adresses directes au spectateur généralement enfouies sous la masse d’informations déversées lors des journaux télévisés.
L’information devient une rumeur diffuse, un ouï-dire, se dissolvant dans une répétition rassurante jusqu’à l’acceptation inconditionnelle. John Menick en a fait un diaporama saisissant (Hearsay), compilant une série de petites phrases qu’il avait déjà entendues ou répétées, et dont aucune n’a pour l’instant été vérifiée ou infirmée. Toutes sont donc plausibles.
Comment notre subjectivité a-t-elle été colonisée? Révélant l’instrumentalisation à l’œuvre derrière la guerre des images qui fait rage depuis le 11/09 et le scandale d’Abou Ghraib, les films de Sean Snyder décontextualisent des images de provenances diverses (officielles, médiatiques ou amateurs) et décryptent les modifications opérées par le développement exponentiel des technologies de communication et les intérêts économiques en jeu dans les zones de conflits. Transformant le spectateur que nous sommes en témoin d’une fiction médiatique grandissante.
1 Antoine Bello, Les Falsificateurs, (2007) et sa suite Les Eclaireurs, (2009) Gallimard.
2 À ce sujet, lire W.J.T. Mitchell, Iconologie, Image, Texte, Idéologie, Les Prairies Ordinaires, 2009.

Cette exposition a reçu le soutien de l’ERBA Rennes. Omer Fast est représenté en France par la galerie gb agency, Paris, Sean Snyder et Rirkrit Tiravanija par la galerie Chantal Crousel, Paris. + d’infos sur John Menick: www.johnmenick.com, et sur Pascal Poulain: http://poulain.net.free.fr/

Télécharger le dossier de presse ici: delinterpretation.pdf

De l’Interprétation

A group exhibition with Omer Fast, John Menick, Pascal Poulain, Sean Snyder, Rirkrit Tiravanija

May 30 to July 11, 2009

And what if the famous CFR really existed, the Consortium for the Falsification of Reality whose activities are narrated in Antoine Bello’s last two novels (1)? What if they were living among us, these agents of a reality that is truer than nature because it has been tampered with, disrupted through discrete modifications nonetheless powerful enough to influence it course? We live at the heart of a culture of the image, but of an image that has been truncated, rigged; ever since the Golden Calf, our society has been trying to make us interpret the images it presents us as realities other than what they quite simply are: relationships, and not entities (2). This double postulate boils down to a single question: who are these falsifiers today? The media is always the first thing that comes to mind, but we forget all too often that–as its name suggests–the media is itself only a kind of relation: between a power, whatever it may be, and a public.Tracing the fine line that separates fact from fiction, De l’Interprétation borrows its title from Aristotle, who, in his eponymous text, elaborates this incalculably valuable distinction between signification and truth value. The exhibition aims to re-inject subjectivity into information, in the image of Rirkrit Tiravanija’s Demonstration Drawings, or Omer Fast’s CNN Concatenated.  A series of drawings inspired by demonstration photos in the Herald Tribune, commissioned by Tiravanija from a group of Thai artists, the Demonstration Drawings play with the conventions of journalism through their imperfect rendering and mock their authority by raising a thorny question: who is more likely to bring us the true story behind an event, a reporter with his trenchant globalised convictions, or an anonymous stranger and his personal sensibility? Out of a monologue reconstituted by Omer Fast, a frenetic cut-up of 2001 CNN news features, emerges the expression of a post 9/11 collective consciousness: that of a multiple “I” who dares to doubt, reflecting the numerous direct addresses to the spectator buried within the mass of information that bombards us on the nightly news.   Information becomes a scattered rumor, mere hearsay, dissolving into a reassuring repetition until unconditional acceptance is complete.

With Hearsay, John Menick makes a breathtaking slide show out of it, compiling a series of short phrases that he had already heard or repeated, none of which have ever been verified or refuted. All of them, therefore, are plausible. How did our subjectivity become colonised? Pointing to the exploitation at work behind the image-war that has been raging since 9/11 and the Abou Ghraib scandal, Sean Snyder’s films decontextualize images of diverse provenance (official, media-related, or amateur) and decode the modifications imposed upon them by the exponential proliferation of communication technologies and the economic stakes underlying zones of conflict. Transforming the spectators that we are into witnesses of a growing media fiction.

(1) Antoine Bello, Les Falsificateurs, 2007, and its sequel, Les Eclaireurs, 2009, Gallimard.

(2) See W.J.T. Mitchell, Iconology: Image, Texte, Ideology, University of Chicago Press, 2009.

Omer Fast is represented in France by gb agency, Paris, Sean Snyder and Rirkrit Tiravanija ae represented by Chantal Crousel, Paris. More infos about John Menick’s works: www.johnmenick.com and about Pascal Poulain: http://poulain.net.free.fr/

Une exposition de Wilfrid Almendra
Du 3 avril au 17 mai 2009

L’on connaît Wilfrid Almendra pour ses sculptures bien ficelées, au fort penchant narratif pourtant contrebalancé par une certaine dose d’abstraction (Wahiawa, 2004, Mister Bird Head, 2007), et son esprit frondeur face à des matériaux nécessitant plus qu’une bonne dose de travail: un véritable savoir-faire. Et c’est en effet la force du bûcheron couplée à la délicatesse de l’orfèvre, le maniement expert de la tronçonneuse tout autant que l’habileté au ciseau à bois, qui font tout pour que le passage de la nature à la sculpture s’effectue en douceur. Se frottant aux matières brutes (bois, cuir, métal, gravier…) comme aux plus galvaudées (céramique, fer forgé…) pour les ouvrager dans un mixte unique de sauvagerie lustrée et de sporstwear assumé (jeans, cuir…), Almendra joue du muscle pour une épate sculpturale toute en finesse.
Pour & Return, son retour en fanfare à Zoo galerie (après deux participations aux expositions collectives It’s hip to be square en 2004 et Speed Datin’2 (Fast & Furious) en 2007), Wilfrid Almendra joue d’une fausse légèreté qui pourrait surprendre. Créant pour l’occasion un Placebo minimal, tenant plus du chassis de camion-benne que de la cartographie cosmique, Almendra nous offre une profondeur de champ qui n’existe pourtant qu’en surface, nous balaçant entre une esthétique quasi new age et des références à un voyage autrement plus terre à terre, celui des truckers et de leurs grosses machines. Le paysage se fait mental sous un casque dont la visière en céramique affiche la projection du tracé de la route suivie par l’artiste lors d’une de ses périgrinations, le crayon en reportant les cahots et les tournants sur la feuille posée sur son genou alors qu’il était au volant. Pendant ce temps, le makila, bâton de marche landais, se fait de plomb pour débrider notre imagination. De quoi nous embarquer pour une bonne virée au cœur de notre propre wild wild west.

Télécharger le dossier de presse ici: PressAlmendra.pdf

Harmonielehre
Une exposition de Mick Peter
Du 7 février au 14 mars 2009

Ces dialogues surréels entre des théières et des triangles isocèles de ciment brut, des cartes à jouer géantes et des ceintures tout droit sorties d’un monde aux dimensions quelque peu élastiques, qui composent l’œuvre aussi cocasse que sérieuse de Mick Peter, intriguent la scène britannique depuis déjà une petite dizaine d’années. L’artiste glaswégien dont Harmonielehre est la seconde exposition personnelle en France (après un passage remarqué à la Galerie de Multiples à Paris l’été dernier), présentera à Nantes une série de toutes nouvelles pièces produites pour le premier volet d’Harmonielehre en novembre-décembre 2008 au Generator Projects de Dundee (Ecosse).
Ses collages sculpturaux, dérivés de la notion d’intertextualité, jouent avec leur qualité crafty pour nous parler des romans qui les ont inspirés: Bouvard & Pécuchet, Tristram Shandy, etc. Des romans qui tous développent une sorte d’anti-logique, appliquée par Peter dans ses mélanges de techniques et références originellement incompatibles. Dans cet univers aux formes géométrisantes, aux couleurs parfois criardes, parfois si sobres, c’est un peu comme si toute rémanence d’une quelconque pensée classique avait disparu. Tant et si bien que l’on s’attend à croiser Tweedledee et Tweedledum comme de naturel, comme un juste rappel du fait que la connaissance est bien impuissante face au hasard du jeu de cartes (Two Clerks, 2006).
Harmonielehre est pourtant avant toute autre chose le titre du fameux essai de Schoenberg sur les principes harmoniques, pierre angulaire de la modernité musicale malgré son apparent appel au classicisme. Il s’agit en effet plus exactement pour Schoenberg de toujours étudier les classiques, que l’on réutilise ou rejette par la suite, avant de créer de la nouveauté. Chez Mick Peter, littérature, sculpture, sont infusées au non-sens, et la vacuité première qui semble mener son œuvre ( il y a du polystyrène sous le béton) est bien vite remplacée à nos yeux par une justesse de ton désarmante. Tandis que continue de se livrer, au cœur du travail de Peter, (Untitled (Tables), 2008) le combat du sculpteur contre le dessinateur.

Mick Peter est représenté par la galerie Crèvecœur (Paris).

Aux origines du portrait se trouve l’idée de mort et de survie. Le portrait apparaît comme une tentative désespérée de conjurer la durée éphémère de la vie. Ceux que réalise Flavie Pinatel, depuis déjà quelques années, sont des portraits d’inconnus, rencontrés dans la rue, qu’elle filme dans leur environnement, le plus souvent leur appartement. De ces plans fixes se dégage une étrangeté propre aux tableaux vivants, qu’une incursion dans une intimité réelle rend plus troublants encore. Et l’on oublie alors, absorbé que l’on est par notre voyeurisme primaire, de se demander à quel moment le naturel et le feint se rencontrent-ils. À la croisée du cinéma et de la vidéo documentaire,  les images de Flavie Pinatel empruntent leurs motifs au réel en y ajoutant un double point de vue, celui du sujet filmant qui oriente la vie du sujet filmé vers un scénario, et celui du sujet filmé qui, complice, abandonne son corps à la représentation de sa propre mise en scène, dans le décor de son quotidien, rejouant ses gestes mêmes.
Pour sa première exposition personnelle, la jeune artiste présentera un triptyque inédit de vidéos tournées dans la cité de La Maladrerie d’Aubervilliers, quartier dit sensible, construit sur le site d’une ancienne maladrerie, ces léproseries qui, à l’écart des agglomérations, cloîtraient les malades loin des bons chrétiens au temps de l’Inquisition. Dans ce labyrinthe de béton s’égayent désormais des enfants au son polyphonique de leurs nintendo DS, jouant à elektroplankton, jeu contemplatif dans lequel il s’agit de composer de la musique en relation avec un environnement donné, et non de se montrer conquérant. Ils tournent en rond, se poursuivent et se filment, entre gris ciment et fluo pixellisé, modifiant à coups de stylet cet espace à la lisière du réel et de son reflet sur lequel on leur laisse une vague créativité.
Trois points de vue sur ce même lieu, ce même moment de jeu, s’entremêlent en boucles de durées diverses qui se chevauchent mais jamais ne se superposent parfaitement, paradigmes de l’errance à l’origine — étymologique— du plancton.

Effondrement de l’onde de probabilité

Avec Nicolas Beaumelle, Katinka Bock, Stéphanie Cherpin, Mark Geffriaud, Aloïs Godinat, George-Henry Longly, Gyan Panchal, Aurélien Porte, Ernesto Sartori, Stéphane Vigny

Du mercredi 17 Septembre au samedi 18 octobre 2008 -Vernissage le 17/09 à partir de 18h30

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Il est de l’espace comme il est des espaces, leur maîtrise est depuis toujours l’une des grandes convoitises de l’homme. Depuis les terrains de chasse, les grandes invasions, les modélisations mathématiques, les mètres carrés habitables et les premiers pas sur la Lune, la tentation de l’appropriation sous-tend toutes les quêtes d’espace.

Du vertige pascalien à la mécanique quantique, tout n’est qu’une question de placement, de point de vue. Ainsi une particule n’ayant pas de position déterminée, elle existe sous la forme d’une onde de probabilité, et lorsqu’on observe cette particule, l’onde de probabilité s’effondre en un point. Partant de ce principe de fluidité spatiale interdisant le positionnement fixe du regardeur, et des distorsions que ces ondes opèrent sur les tentatives de leur représentation, l’exposition met en scène l’élasticité de l’espace.

Pour cette exposition, l’espace de Zoo galerie est redoublé par celui du patio Delrue, permettant un display bipartite, sur environ deux fois 100m2. Il s’agira de proposer au visiteur de traverser une sorte de parc de sculptures appelant à une prise en compte de leur potentialité d’expansion (patio) pour accéder à une exposition (galerie) de pièces abordant la réduction possible de l’espace à des parcelles, des concrétions…

Dans le patio se déploieront ainsi les œuvres d’envergure de Nicolas Beaumelle, Stéphanie Cherpin, Aurélien Porte et Ernesto Sartori, tandis que dans la galerie, les pièces de Katinka Bock, Mark Geffriaud, Aloïs Godinat, George-Henry Longly, Gyan Panchal et Stéphane Vigny, toutes d’une grande délicatesse, exploreront par leur fragilité matérielle l’instabilité spatiale.

Stéphanie Cherpin est représentée par la galerie Cortex Athletico, Bordeaux, Katinka Bock et représentée par la galerie Jocelyn Wolff, Paris, Mark Geffriaud est représenté par gb agency, Paris, Aloïs Godinat est représenté par la galerie Francesca Pia, Zurich, George-Henry Longly est représenté par Dicksmith Gallery, Londres, Gyan Panchal est représenté par la galerie Frank Elbaz, Paris.

There is as much space as there are spaces, and their mastery has always been one of man’s greatest obsessions. From hunting grounds to military invasions, mathematical models to habitable square meters and the first steps on the moon, our successive conquests of the physical world reflect the temptation to appropriate. Because everything, from Pascalian vertigo to quantum physics, is a question of placement, of point-of-view. A free-floating subatomic particle is really nothing more than a probability curve—one, however, which tapers down to a single point the moment we attempt to observe it. Inspired by this principal of spatial fluidity, which forbids the stationary positioning of the spectator, as well as the distortions that these curves bring about as we attempt to represent them, this exhibition explores the elasticity of space.

For this exhibition, the Zoo Gallery exhibition space will expand to include the Delrue patio, allowing for a bipartite display over approximately 100 square meters. The spectator traverses an indoor sculpture park (the patio), where he discovers works concerned with the problem of expansion. Continuing on into the gallery, he encounters an exhibition of smaller works that reduce the space into a collection of minute parcels and concretizations. The patio showcases large-format productions by Nicolas Beaumelle, Stéphanie Cherpin, Aurélien Porte and Ernesto Sartori. In the gallery, delicate confections by Katinka Bock, Mark Geffriaud, Aloïs Godinat, George-Henry Longly, Gyan Panchal and Stéphane Vigny explore the instability of space via their intrinsic material instability.